VIDEO- DE VACACIONES AL LADO DE LA PISCINA- RECOMENDADO !

INDISPENSABLE.
La piscina en la película - Blow up - ARTE 
http://www.arte.tv/blowup
Estás probablemente de vacaciones, no 
muy lejos de una piscina. Este húmedo 
recorte está hecho para ti!
RECOMIENDO VER ESTE CORTO VIDEO !!!

CINE: La infancia desconocida de Audrey Hepburn

Publicado por Tamara Andrés Padín

Ana Frank nacía apenas un mes después que Audrey Hepburn. Audrey, tras leer su diario, declaró que se sentía profundamente conmocionada y que siempre sentiría un estrecho vínculo con Ana. De hecho, la actriz llegó a afirmar que aquel libro la afectó profundamente e incluso que la destruyó. Además, la actriz rechazó tajantemente la propuesta de llevar al cine la vida de la niña judía, ya que se sentía emocionalmente incapaz. ¿Por qué estaba Audrey Hepburn tan ligada a Ana Frank? 

 El 4 de mayo de 1929 nace en Ixelles, Bruselas, uno de los grandes mitos del cine. Audrey Kathleen Ruston es el fruto de la unión de la baronesa Ella Van Heemstra, procedente de una familia de aristócratas holandesa, y de Joseph Victor Anthony Ruston, un británico nacido en Austria. Cuando su padre decide añadir el apellido de su abuela materna, Audrey se convierte en Audrey Kathleen Hepburn-Ruston. Joseph abandona el hogar familiar cuando la pequeña apenas tiene seis años. Tras esto, Audrey y su madre se trasladan a la ciudad holandesa de Arnhem. En 1937, Audrey se muda a tierras inglesas para estudiar en un internado. 

 El 1 de septiembre de 1939, Alemania invade Polonia, tras lo que Inglaterra, Australia y Nueva Zelanda (bando al que más tarde se sumará Francia) declaran la guerra a Alemania. Como los Países Bajos se habían declarado neutrales durante la Primera Guerra Mundial, Ella considera que será más seguro refugiarse allí, por lo que Audrey regresa a Arnhem con su madre y sus dos hermanastros. En el conservatorio de dicha ciudad, la actriz estudia piano y ballet clásico. 

 En mayo del año 1940, tras invadir Dinamarca y Noruega, las tropas alemanas invaden los Países Bajos, Bélgica, Luxemburgo y Francia. Ante este panorama, Ella considera que Audrey corre un grave peligro por su apellido británico, por lo que decide registrarla en el colegio con el nombre de Ella Van Heemstra. Audrey junto a su madre, Ella van 

 Los padres de Audrey habían pertenecido a la Unión Británica de Fascistas, e incluso llegaron a compartir mesa con el mismo Adolf Hitler. No obstante, durante la Segunda Guerra Mundial, la madre de Audrey colabora con la resistencia contra los alemanes. De hecho, Ella organiza veladas en su casa –durante las cuales corría las cortinas para que no se viera nada desde el exterior– en las que el público se reunía para ver a Audrey bailar. Los asistentes a estas reuniones no podían aplaudir al final la representación para no levantar las sospechas de los nazis. 

 A finales de la Segunda Guerra Mundial, los alimentos escasean cada vez más en los Países Bajos. Audrey, en compañía de su madre, se muda a Velp, donde reside su abuelo materno. Tras el triunfo de los aliados occidentales durante el Desembarco de Normandía, las condiciones de vida son cada vez peores en los Países Bajos ocupados por los nazis. Los aliados occidentales liberan el sur del país en agosto de 1944, pero sus esfuerzos de liberación se detienen cuando fracasa la operación Market Garden, un intento de controlar los puentes que cruzaban el río Rin cerca de la localidad de Arnhem. Los alemanes deciden decretar entonces un embargo sobre todos los transportes de comida que se dirigen a las regiones holandesas que todavía están bajo su ocupación. Durante este gélido invierno, bautizado más tarde como el «invierno del hambre», murieron más de veinte mil personas a consecuencia de hambre y de frío. Audrey Hepburn consigue sobrevivir a él, pero durante este tiempo pierde a un tío y a uno de sus hermanastros, ambos ejecutados a manos de los nazis por haber colaborado con la resistencia. Además, envían a su otro hermanastro a Alemania para realizar trabajos forzados. El día que Audrey cumple dieciséis años, las tropas británicas liberan Velp. 

 En 1945, madre e hija se trasladan a Ámsterdam, donde Audrey continúa con sus clases de ballet. En 1948, la actriz realiza su primer papel en la película Dutch in seven lessons. Debido a su elevada estatura, se ve obligada a renunciar a su sueño de convertirse en bailarina. Participa en varios musicales y consigue papeles pequeños en algunas películas como Laughter in Paradise, One Wild Oat o The Lavender Hill Mob y Secret People, en las que ya tiene un papel más relevante. 

 En 1951, cuando Audrey está rodando Monte Carlo Baby, coincide en el rodaje con la famosa escritora francesa Sidonie Gabrielle Colette, que busca a una actriz que encaje a la perfección en el papel de la protagonista de su obra más famosa, «Gigi». Al ver a Audrey, sabe al momento que se trata de ella. Audrey representa a Gigi en Broadway entre 1951 y 1952, papel con el que gana el Theatre World Award.  
Es en esa época cuando los productores de Vacaciones en Roma, película gracias a la que Audrey gana el Óscar a la mejor actriz, su tobogán a la fama, se fijan en ella. William Wyler, director de la película, al ver estas imágenes, en las que se puede ver a Audrey Hepburn después de la prueba de cámara, queda deslumbrado y no duda en contratarla. 

 La continuación de esta historia ya la sabemos: Audrey protagoniza Sabrina, Guerra y Paz, Desayuno con Diamantes, Funny Face, Historia de una monja, Charada o My fair lady. Curiosamente, Sola en la oscuridad, una de sus últimas películas, y por la que obtuvo su quinta y última nominación al óscar, fue dirigida por Terence Young, quien participó en la Segunda Guerra Mundial como paracaidista en la batalla de Arnhem. 

 La dura infancia de Audrey quedó reflejada en su eterna delgadez, consecuencia de la malnutrición que sufrió durante la ocupación alemana, y en la melancolía de su mirada. La niñez de esta «cara con ángel», que a día de hoy encontramos impresa por doquier, transcurrió entre el miedo y la muerte, algo que la marcó de por vida y que la llevó a dedicarse en cuerpo y alma a ayudar a los más desfavorecidos durante sus últimos años de vida como embajadora de UNICEF. Y es que Audrey Hepburn no solo merece ser recordada por su belleza física, sino que por encima de ello se debe destacar su belleza interior, su generosidad y su humanidad.

http://www.lapiedradesisifo.com/2014/07/22/la-infancia-desconocida-de-audrey-hepburn/

CINE: El "perfeccionista" Charlie Chaplin exigió 342 tomas de la misma escena de la película "City Lights",( Luces de la Ciudad)

Por Sheena McKenzie

 

(CNN) — Repite después de mí:
 "¿Una flor, señor?" Ahora dilo de nuevo,
  341 veces.

Virginia Cherril tuvo que haber estado
al borde de las lágrimas después de
que el director y actor Charlie Chaplin
hiciera que repitiera una escena, en la
que sólo dice dos palabras en una
película muda, 342 insoportables veces.

Es cierto que Cherrill no era una actriz
profesional, sino una chica de sociedad
 que Chaplin había descubierto entre
la multitud en un encuentro de boxeo.

El legendario comediante, quien definió
la era del cine mudo con su bombín
como sello característico, su caminado
y su bigote de cepillo de dientes, ni
siquiera había habado con Cherrill
cuando la contrató como la "damisela"
en una de sus más exitosas películas
de todos los tiempos: "City Lights", de
 1931.

"Chaplin era un perfeccionista, el rey de
 la repetición de tomas", dijo Hooman
Mehran, historiador y autor de "Chaplin's
Limelight and the Music Hall Tradition".

"Ésta fue una secuencia de tan sólo tres
minutos en la película completa", añadió.
"Pero Chaplin fue duro con ella, aunque
se trataba de una película muda".

Ahora, por primera vez, podemos ver
la realización de la memorable escena,
 en la que una muchacha ciega
confunde al vagabundo Chaplin con un
hombre rico, en un material detrás de
escenas dado a conocer por el archivo
cinematográfico, Criterion Collection.


Mira la escena aquí:






La practica perfecciona.

Se trata de una increíble percepción de
 la ética laboral del comediante ganador
 de premios de la academia, quizá
mejor conocido por su icónico papel
como el querido "Vagabundo" que como
director.

"Él lo hacía todo; no sólo era el director,
sino también el escritor y productor.
Cuando la música llegó, también fue
compositor", dijo Mehran, quien narra
la titilante secuencia en blanco y negro.

En una carrera que abarcó 75 años,
desde la Inglaterra victoriana hasta el
Hollywood de los años cincuenta, Chaplin
llegó a ser una de las más reconocidas
estrellas de cine del mundo; negoció un
contrato por 670.000 dólares por una
película cuando apenas tenía 26 años,
una extraordinaria cantidad en esos
tiempos.

No era raro que Chaplin repitiera una
escena 10 o 20 veces. Pero, ¿342?
"Esto fue extraordinario incluso según
sus estandares", dijo Mehran.

¿Por qué hubo tantos intentos en una
escena aparentemente simple?

"Chaplin ensayaba en la película; ponía
a prueba una idea y lo hacía una y otra
vez", explicó Mehran. "Y como él era el
director, no podía ver su propia
actuación, así que tenía que grabarla".

En esa época, el sonido había
comenzado a llegar a las películas y a
Chaplin le preocupaba que "City Lights"
fuera a ser su última película muda, así
que quería que fuera una obra maestra.
Como productor, invirtió todo su dinero
en la película; si hubiese sido un fracaso,
lo habría destruido. Por suerte, resultó
ser un éxito de taquilla.

De pobreza a riqueza

Chaplin creció en un hogar de escasos
recursos en Londres; su madre estuvo
internada en un asilo mental, y su padre
alcohólico murió de falla hepática, así
que tuvo que pasar parte de su niñez en
orfanatos.

"Él identifica a su madre como su más
grande influencia", dijo Mehran. "Cuando
era niño, se sentaban en su departamento
y ella imitaba a las personas que
caminaban por la calle".

"No es casualidad que 'City Lights' se trate
de una mujer ciega; muchas de las
heroínas de Chaplin tienen una
discapacidad, lo cual viene de su madre".

¡Corte!

Después de unirse a varias compañías
teatrales cuando era adolescente,
Chaplin fue contratado por la prestigiosa
compañía de comedia de Fred Karno.
Él recorrió Estados Unidos, ganando la
atención de los Estudios Keystone, y
lanzando su carrera en la pantalla
gigante.

Llegó a ser un maestro de la comedia
física, con sus exageradas expresiones
faciales, su caminar gracioso y su
comportamiento tambaleante, influenciando
 a generaciones de artistas de payasadas,
desde Abbot y Costello hasta Lucille Ball
y Mr. Bean. Aún así, a pesar de que en
la pantalla siempre metía la pata, Chaplin
como director era muy disciplinado.

"Era muy estricto en el plató", dijo
Mehran. "Sabía exactamente lo que
quería, y hubiera preferido no tener
otros actores en sus películas; incluso
una vez trató de hacer una película en
la que él era la única persona".

Éste fue un estilo que a Marlon Brando
aparentemente le costó aceptar en el
plató de la película de Chaplin de 1967,
"A Countess from Hong Kong".

"Brando era un actor metódico y
realmente quería entender qué era lo
que su personaje estaba sintiendo. Le
dijo a Chaplin: 'No entiendo la motivación
de mi personaje en esta escena,' y
 Chaplin contestó: 'Olvida la motivación,
sólo haz lo que te digo, esa es tu
motivación'", relató Mehran.

Cápsula del tiempo

Después de vivir en Estos Unidos en los
 años cincuenta y de haberse mudado
a Suiza con su esposa Oona O'Neill (la
 pareja permaneció casada hasta la
muerte de él en 1977 y tuvieron ocho
hijos) Chaplin ordenó que muchas de
sus tomas eliminadas fueran destruidas.

"Somos muy afortunados al tener este
material de 'City Lights'", comentó
Mehran.

"Fue grabada por su amigo Ralph Barton,
quien se suicidó poco después, y
ciertamente Chaplin no iba a dejar que
alguien más, aparte de su hermano,
filmara en el plató".
Para una leyenda del cine mudo, las
acciones de Chaplin hablaron mas alto
que las palabras.

http://cnnespanol.cnn.com/2013/12/11/el-perfeccionista
-charlie-chaplin-exigio-342-tomas-de-la-misma-escena-
de-una-pelicula/

El UNICORNIO de Porcelana- Un bello film que nos habla de seres humanos a pesar de la Barbarie Nazi en Alemania

DIRIGIDO POR KEEGAN WILCOX



Comentarios de la prensa:

September 24, 2010, 2:30 pm
Director Selects Winner of Philips Consumer Contest
By STUART ELLIOTT

Ridley Scott, known for directing movies like “Blade Runner” and “Gladiator,” has chosen the winner of a contest to create short films that was sponsored by Philips.

Mr. Scott picked a film called “Porcelain Unicorn” as the winner of the Tell It Your Way contest. The name, echoing the long-time Burger King slogan, “Have it your way,” underlines the nature of the contest, which is in the genre known as consumer-generated or user-generated content.

“Porcelain Unicorn,” which can be watched on YouTube, was the brainchild of an American director, Keegan Wilcox. Mr. Wilcox, a producer and director at ELA Advertising in California, wins prizes that include a week working at Ridley Scott Associates and the promotion of his short by Philips in venues that include a section of the Philips Web site.

Mr. Scott selected the short from among more than 600 entries in the contest, which was inspired by online commercials for Philips, under the title “Parallel Lines,” created by the London office of DDB Worldwide, part of the Omnicom Group.

A People’s Choice Award was also presented in the contest, to a short called “Baby Time,” by a French director, Cedric Petitcollin. “Baby Time” can also be watched on YouTube.

There is also a YouTube channel devoted to the contest. The entries were winnowed to 306 semifinalists, which a panel of judges narrowed to 10 finalists. The public then voted on YouTube to select five of those 10 shorts for the final round of judging, during which Mr. Scott chose “Porcelain Unicorn” as the winner.

THE NEW YORK TIMES
http://mediadecoder.blogs.nytimes.com/2010/09/24/director-selects-winner-of-philips-consumer-contest/


Today, Ridley Scott announced Porcelain Unicorn from American director Keegan Wilcox as the winning short film in Philips’ Tell It Your Way film-making contest.



The contest, which received over 600 entries from around the world, invited aspiring filmmakers to create an original short film using the same six-line dialogue as the Cannes Lions award-winning Parallel Lines short films directed by RSA talents Carl Erik Rinsch, Greg Fay, Johnny Hardstaff, Jake Scott and Hi-Sim.



Commenting on his choice of winner, Sir Ridley Scott said: “I chose Porcelain Unicorn to be the winning film as it had a very strong narrative; a very complete story that was well told and executed.”


porcelain-unicorn



Directed by Keegan Wilcox, it is a sensitive and moving tale of how a traumatic wartime encounter inspires a man in later life. Wilson cites his grandfather’s war stories as inspiration for the short, and the ‘hero’s journey’ of a Joseph Conrad novel.



Keegan Wilcox commented: “I'm honored and humbled Sir Ridley Scott selected our film from five equally deserving entries. This came as a huge surprise. Being awarded the opportunity from Philips to gain valuable work experience at RSA is a privilege and a first step on the long road to a career.”



Following a round of public voting on YouTube to select the top five, the overall winning film, Porcelain Unicorn, was chosen by Sir Ridley Scott. Porcelain Unicorn and the other finalists can be viewed at:


www.youtube.com/philipscinema



The public was also given the chance to vote for their favourite entry and select a ‘People’s Choice’ runner-up. Slapstick comedy, Baby Time, by French director Cedric Petitcollin received the highest number of votes.


Parallel Lines continues with today’s release of a 3D short film, The Foundling, directed by Barney Cokeliss. Created to showcase the world’s first Full HD 3D cinema proportion LED TV, the film will be available to view in selected Philips retailers.



Director, Barney Cokeliss, comments: “Making The Foundling was a fantastic creative challenge. 3D brings a host of advantages and possibilities to the film-maker, enhancing the visual vocabulary - the way you tell a story. A circus seemed like a perfect setting for a 3D film since it contains lots of different layers, rich detail and texture and lots of movement”.



A historical drama set in a 1930s circus, The Foundling was shot in collaboration with award-winning stereographers Vision3@Compendium featuring a team who also worked on 3D blockbuster, Avatar (2010).




A 2D version of The Foundling will also be presented exclusively to fans on Philips Cinema’s Facebook page www.facebook.com/philipscinema, and will then be released on www.philips.com/cinema and www.youtube.com/philipscinema on September 22nd. Exclusive footage of how the film was made, including interviews with the director and crew, will be released on Philips Cinema’s Facebook page.

http://www.rsafilms.com/news/news/philips-winner-announced

Muere el cineasta Blake Edwards a los 88 años- Un grande del cine nos ha dejado

* El cineasta dirigió Desayuno con diamantes,
La pantera rosa o El guateque

* Edwards es una de las grandes figuras de la
comedia hollywoodiense

* Sin embargo, su único Oscar es el honorífico
recibido en 2004


por AGUSTÍN ALONSO G.


REUTERS/Fred Prouser
El cineasta Blake Edwards con su mujer, la actriz Julie Andrews, en la cena de nominados al Oscar celebrada el 9 de febrero de 2004. Edwards se casó en segunda nupcias con Andrews en 1969 y han estado juntos hasta ahora, durante más de 40 años.
Blake Edwards, una vida de cine



El cineasta estadounidense Blake Edwards, director de películas inolvidables como Desayuno con diamantes, La pantera rosa o El guateque, ha muerto este jueves a los 88 años en Brentwood (California), según ha informado Efe.


Edwards es una de las grandes figuras de la comedia hollywoodiense, un maestro, cuyos principales éxitos se desarrollaron en los años 60 del siglo XX, lo que le convierte en uno de esos grandes directores que marcó la transición entre el Hollywood dorado de Frank Capra, Howard Hawks o John Ford y el mucho más salvaje de los Coppola, Scorsese, Allen o Spielberg.


Precisamente su estilo, entre el humor de slapstick típico del cine mudo y las connotaciones y sugerencias de diálogos cómicos y románticos más atrevidos, refleja ese carácter.


El mítico director de Días de vino y rosas, La carrera del siglo, 10, la mujer perfecta o ¿Victor o Victoria? estaba casado con la actriz Julie Andrews, a la que dirigió en esta última película, que le valió la nominación al Oscar al mejor guión adaptado en 1982.


Sin embargo, la única estatuilla que recibió en su vida fue el Oscar honorífico en 2004 en reconocimiento a su trayectoria artística. También fue nominado al Globo de Oro como mejor director por Días de vino y rosas (1962).


El éxito comercial de La pantera rosa (1963) le llevó a escribir, dirigir o/y producir varias secuelas: El regreso de la pantera rosa (1975), La pantera rosa ataca de nuevo (1976), La venganza de la pantera rosa (1978), Tras la pista de la pantera rosa (1982), La maldición de la pantera rosa (1983) y El hijo de la pantera rosa (1993).


Precisamente la última entrega de la saga fue la última película dirigida por Edwards.
Una carrera irregular plagada de iconos de cine


Si bien es cierto que la calidad de la cincuentena de películas que escribió, dirigió o produjo es irregular, nadie podrá quitarle el honor de haber sido el responsable de participar en la creación de algunos de los iconos más reconocibles de la historia del cine y del universo popular.


Su nombre está detras o junto a la Holly Golightly interpretada por Audrey Hepburn, el personaje del inspector Clouseau interpretado por Peter Sellers o las canciones de Henri Mancini para La pantera rosa o Desayuno con diamantes.


Toda una generación recordará también La carrera del siglo, un clásico de las sobremesas de sábado en los 80. Una película con otro actor icono infantil, Dick Van Dyke, y un elenco formado por Jack Lemmon, Tony Curtis o Natalie Wood. Cinta que -como La pantera rosa- terminó inspirando versiones de dibujos animados producidas por Hanna-Barbera en episodios que llenarían la programación de las televisiones entre los 70 y los 80.




SWANPR1NCESS | May 29, 2007 |

Moon River, main theme from Breakfast at Tiffany´s.

"Oh, dream maker, you heart breaker / wherever you're going
I'm going your way", cantaba Audrey Hepburn encarnando
a la Golightly que enamoraba al Hannibal del Equipo A (George Peppard).

"Oh, creador de sueños, rompecorazones, dónde tú vayas,
yo voy contigo". La letra de Johny Mercer para la música de
Henri Mancini en "Moon River" podría ser un digno homenaje
para Edwards, nuestro huckleberry friend.
Con cariño. E inmensa gratitud.

16.12.2010
http://www.rtve.es/noticias/20101216/muere-cineasta
-blake-edwards-a-88-anos/387792.shtml

26 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE HAIFA 2010- EN SUCOT

Como todos los años, durante la "Festividades de Sucot",
la ciudad de HAIFA es la anfitriona y organizadora de
su Festival Internacional de Cine.

Este Festival que dura ocho días, congrega a miles de
amantes del cine en todos sus aspectos: documentalismo,
films dramaticos, de accion, etc.etc.

La ciudad de Haifa recibe con alegría a todos aquellos
que desean disfrutar durante uno o varios días, de
films de calidad, aunque a veces nos hemos sentido
defraudados con films latinoamericanos y/o
españoles, que son los que deseamos ver muchos de
los hispanoparlantes que residen en este pequeño
pero pujante y democrático país del Medio Oriente.

Llegan a Haifa habitantes de distintos puntos del país,
y podemos ver de cerca a artistas, directores, escritores,
periodistas, gente del Arte y las Letras que estamos
acostumbrados a verlos en la TV israelí o de leer sus
textos en los diarios y revistas nacionales y sus libros.

Ademas de las proyecciones en los cines y teatros locales,
durante esta semana se pueden disfrutar de proyecciones
gratuitas al aire libre, en plazas o en la playa del Mar
Mediterráneo.

En el parque aledaño a las principales salas de
proyección, se realiza una feria de artesanías, ventas
de regalos, trabajos originales de distintos países,
desde el Lejano Oriente a la lejana Sud America,
ademas de trabajos realizados por artesanos israelíes,
a la que acuden muchas personas, y los puestos de
comidas y bebidas frescas tampoco faltan en estos días
de calor y humedad de fines del verano que se resiste
a morir.

Generalmente varios de los films latinoamericanos
y españoles no se vuelven a proyectar en las Salas
israelíes, y ese es el motivo por el que mi esposa y yo
preferimos ver este tipo de cine en estos festivales.

Como todos los años, la directiva organizadora del
Festival de Cine ha editado un hermoso libro/catálogo
con reseñas y fotografías de todas las películas que son/
serán exhibidas durante este evento.

Este libro bilingue hebreo-ingles consta de 235 páginas
y aunque parezca extraño en esta parte del mundo,
este año lo regalan (estan a la vista al lado de las
ventanillas de ventas de entradas).

Además se distribuyen gratuitamente, folletos de pocas
páginas que contienen los resúmenes de los argumentos,
los datos del film, las salas de proyecciones y los horarios
de las mismas.

Tambien los grandes diarios nacionales han editado
suplementos dedicados a este Festival Internacional
de Cine de Haifa, permitiendo a sus lectores, residan
donde residan, estar informados de este Festival
que es un orgullo para esta hermosa ciudad de Haifa,
recostada sobre la Montaña del Carmel(o) y bañada
por las olas del mar Mediterráneo.

TANGO, UNA HISTORIA DE JUDIOS:



Quiero decir algunas palabras sobre este film documental
muy bien logrado, donde se puede apreciar la valiosa
contribución de los miembros judíos de la comunidad
argentina al TANGO, que si bien" no fue inventado por
los judíos, estos tuvieron y tienen un papel relevante en
la creación e interpretacion de los mismos, junto a
argentinos, italianos, españoles, etc."


Participamos del estreno en el Museo de Arte Japones
TIKOTIN en Haifa, el 28 de septiembre.

La sala estaba repleta. Calculo un 40-50% de origen
latinoamericano y el resto israelíes que no hablan
ni entienden el idioma castellano(español, como se
lo conoce aquí), pero que les gusta el tango,
especialmente el argentino/uruguayo.

Presentó el film el Productor ejecutivo y autor del
Guión, el historiador del tango argentino, Jose Judkovski,
autor de varios libros sobre el Tango y Los Judios en
Argentina, a quien conozco personalmente desde hace
varios años.

Sus palabras fueron traducidas al idioma 'ivrit'(hebreo).
La proyección duró aproximadamente hora y media,
y pudimos, los allí presentes, deleitarnos con este Film
muy bien realizado, en todos los aspectos.

Los presentes pudieron gozar de la música, de los
bailarines, de las Orquestas y los Nuevos Conjuntos de
Tangos, muchos de ellos formados por jovenes judíos,
nietos de aquellos inmigrantes llegados a la Argentina,
Tierra de Promisión, a principios del siglo pasado.

El director del Film , Gabriel Pomeraniec, quien fue además
el camarógrafo y el Productor junto a Jose Judkovski
supo trabajar en equipo con el este.

El film fue muy bien fotografiado, mostrando escenas de
la imponente Ciudad de Buenos Aires y trayendo las
explicaciones de 'tangueros' judíos y no judíos, que
lograron transmitir en forma sencilla la real participación
del Pueblo de Moises en la Historia del Tango Argentina,
desde sus comienzos hasta el presente.

Al finalizar la proyección, el publico rompió en un aplauso
sostenido, dando de esta manera su aprecio y entusiasmo
por el film proyectado.

El sr. Jose Judkovski dialogó con el público presente, y
se sintió muy emocionado cuando un anciano judeo
argentino se acercó y lo abrazó y besó y seguramente
le dijo algunas palabras en el oído.El anciano estaba
muy emocionado y algunas lagrimas fluían de sus ojos.

Entre las preguntas del público, una señora inquirió
si los músicos y compositores judíos argentinos habían
sido objeto de manifestaciones antisemitas dentro del
panorama tanguero argentino, a lo que contesto Jose
Judkovski que ninguno de ellos había manifestado
sentirse agraviado en algún momento por su condición
de 'judío'.

En mi humilde opinión este film no es uno más entre
los documentales realizados sobre el tema del Tango en
Argentina en los últimos años, sino un testimonio vivo
del aporte de los judíos al Tango en ese país, contando con
la participación de grandes músicos argentinos , que aún
conservan en su memoria ese aporte realizado por
aquellos que ya no están.

Ademas de los nuevos y jovenes valores que revitalizan
el Tango, 'ese sentimiento triste que se baila', al decir de
Ernesto Sabato.

Para que mis lectoras/es se enteren que es lo que se puede
ver en este Festival habladas en castellano/español/
portugues, y/o catalán, acompaño una reseña publicada
por el Semanario AURORA de la ciudad de Tel Aviv.

Lic. Jose Pivín
frente al puerto de Haifa
frente al Mar Mediterráneo

FILMS HISPANOAMERICANOS

Festival Internacional de Cine de Haifa
Autores: Chiquita Levov y Henry Weich

Nuevamente para Sucot vuelve el ya consagrado Festival
Internacional de Cine de Haifa a presentar un variado
y rico programa que deleitará a los amantes del cine.
Como es habitual aquí nos limitaremos a reseñar los films
hispanomericanos que seguramente interesan más a los
lectores de Aurora.

A la deriva, de Ventura Pons, España, 2009.
La película transmite la tristeza de los personajes,
zarandeados hacia no se sabe dónde y sin ningún ideal
que seguir. Lo único que merece la pena es pasarlo bien,
dice uno de ellos, pero si eso no es posible -como parece
ocurrirle a la protagonista- no queda sino desahogarse
con el sexo, da igual con quién, da igual cuándo, da igual
la postura. El film habla de la decepción de esas personas
que han gastado su vida en ideales que les han dejado
vacíos.


La mirada invisible, de Diego Lerman,
Argentina, 2009.
María Teresa es una preceptora en el Colegio Nacional.
Tiene 20 años y es una especie de mezcla de inocencia e
ignorancia. Toma su trabajo al pie de la letra, la
supervisión del orden en todo sentido es su preocupación
constante, sigue la conducta de los alumnos con
perseverancia y dedicación para hacerse acreedora del
aprecio de su jefe, y es por eso que lleva su empeño a
extremos, aún a costa de su propia persona.

La sangre y la lluvia, de Jorge Navas,
Colombia. 2009
El chofer de taxi José, empieza su turno nocturno
poseído por el ansia de venganza por el asesinato
de su hermano a manos de una banda violenta.
Pero cuando un accidente lo acerca inesperadamente
a Angela, la pareja dañada tiene que luchar contra
fuerzas que los arrastran al lluvioso submundo de Bogotá


Año bisiesto, de Michael Rowe, México, 2010.
Laura vive hundida en una profunda melancolía por
su vida problemática en Oaxaca. Sus días solitarios
pasan hasta que decide terminarlo todo. Encuentra a
Arturo, que le ayudará a terminar su penosa existencia

Rompecabezas, de Natalia Smirnoff,
Argentina, 2009.
El esposo de María y sus hijos le regalan un rompecabezas
para su cumpleaños. Encuentra el asunto un gran
descubrimiento, y resulta que es buena. Su nueva pasión
la lleva a contestar a un aviso que indica que se busca
socio para una competencia, y a pesar de los recelos
familiares, se inscribe.


Norteado, de Rigoberto Pérezcano,
México, 2009.
Andrés llega a la frontera de México para cruzarla
camino a los Estados Unidos. Ahí entre cada intento
descubre que Tijuana es una ciudad alborotada.
Esperando ahí, no sólo es confrontado con sus
sentimientos y lo que ha dejado atrás sino también
con lo que va encontrando.


Carancho, de Pablo Trapero, Argentina, 2010.
En Argentina hay muchos muertos por accidentes de
tráfico, y detrás hay una industria floreciente basada
en seguros y huecos legales. Sosa es un abogado que
busca clientes potenciales. Luján es una médica recién
llegada de la provincia. Su amor empieza con un
encuentro en la calle, pero ella trata de salvar la vida
de un hombre y él lo quiere tener como cliente.

Octubre, de Daniel y Diego Vega Vidal,
Perú. 2010.
Clemente, un prestamista lacónico es la nueva
esperanza de Sofía, su vecina soltera, devota de las
adoraciones de octubre de nuestro señor de los
milagros. Los une un neonato, fruto de la relación
de Clemente con una prostituta, ella lo cuida
mientras él va en busca de la madre, así el
reconsidera sus relaciones emocionales con gente.


Abel, de Diego Luna, México, 2010.
Trata de un muchacho peculiar, que confunde realidad
y fantasía, pero toma las responsabilidades del jefe de
la familia en ausencia de su padre.

.
Eva y Lola, de Sabrina Farji, Argentina, 2010.
Eva y Lola son amigas íntimas. Mientras Lola trata de
medirse con su pasado creando una vida de fantasía,
Lola no quiere ocuparse de la verdad de su identidad
real. Dos amigas con visiones distintas de la misma
historia.

Tango, una historia de judíos
Interesante documental que se refiere a los letristas de
la época de ORO del tango y escritores judíos en idish
en particular, se superponen y se identifican en los temas
de la desgracia y el dolor, la tragedia, y la angustia de
problemas existenciales.


Nacidas para sufrir, de Miguel Albaladejo,

España, 2009.
Es la historia de un grupo de mujeres, todas tan generosas y desinteresadas que hasta compiten entre sí para ver quién puede ayudar más y hacer el mayor sacrificio para el bien de otros.


Estranho caso de Angelica, de Manoel de Oliveira, Portugal/España/Francia/Brasil, 2010
(portugués).
Situado en los años cincuenta, un fotógrafo es requerido
por dueños de hotel de tomar retratos de su recientemente
fallecida hija. Otra producción del centenario decano
del cine, Oliveira.

fuente: Semanario AURORA- Tel Aviv,Israel

Edición Nº26, del 23/9 al 30/9/2010